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2 自画像 后来的画家曾模拟过安格尔在画室的状态。画中间穿着黑衣服戴着方领的安格尔的形象来自于他自己的一张自画像。这是十九世纪后来人对安格尔画室生活的一种想象。 展览中所展出的,就是后来临摹的安格尔这张自画像，这张自画像的原作在卢浮宫。这张画的构图中最值得注意的是安格尔手上拿的东西。安格尔左手拿了一块白色的布，右手拿了一根粉笔。在原作中，左手是没有这块布的，这块布只是在这幅画的素描底稿中出现过。由此，艺术史家们就认为，和他创作素描底稿时相比，安格尔在完成他的油画作品时心理是有变化的。 在素描中，他只拿了一块白布，他拿着白布并不是去画画的，而是去擦拭画，是要去除画上的一些痕迹。也就是说，安格尔在画素描的时候，对于当时的一些画风在美学意义上存在犹豫。他似乎是想擦拭掉当时的一些痕迹，去复原一个在安格尔自己笔下的古典主义式的艺术风格。 但是在后来完成的油画作品里边，他并没有拿左手上的布，只拿了右手上那根白色粉笔。在卢浮宫版本的油画中，右手的白色粉笔特别尖，比起粉笔来它更像是一把小刀。这也就意味着，在完成油画作品时，安格尔认为自己找到了他认可的艺术风格和艺术之道。他要用手上的画具，像利器一样去开辟一个艺术风格的新时代。 这就是艺术史对于安格尔这幅自画像的解读。我们当然也可以有多种多样的阐释，但是能够肯定的一点是，安格尔从年轻的时候开始，就认为自己会成为法国艺术史上非常重要的艺术家。这是他在年轻时为自己立下的艺术野心，他一生的职业道路也是沿着这个野心往下发展的。 安格尔还有一张晚年的照片，拍摄于一八六零年左右。我们可以通过照片看到安格尔现实生活中的样子。关于这张照片还有一个有趣的现象——与我们今天摄影的姿势不同，在安格尔生活的那个时期，照片中人物的坐姿完全没有脱离肖像画的影子。这也是近代摄影技术的发明和绘画的一个交汇点。 3 安格尔与拉斐尔 安格尔是非常崇拜拉斐尔的一位艺术家。安格尔的内心中一直有一句他没有说出来的台词，那就是他认为自己在当时的法国就是拉斐尔再世。他非常崇尚拉斐尔笔下的古典的美感。拉斐尔创作的圣母因为带有强烈的人间气息而拥有极高的声誉，是拉斐尔笔下最出名的艺术形象。之前的中世纪还有拜占庭的圣母像都是“神性”的圣母，到了拉斐尔这里，圣母变成了“人”。她有了人间母亲脸上该有的红晕，皮肤也变得触感了起来，拥有了种种“人间”的特质。安格尔非常欣赏拉斐尔笔下女性的美感，所以临摹了拉斐尔大量的作品。在艺术史当中，临摹是非常好的学习方法，通过对拉斐尔的临摹，安格尔这一个派系包括安格尔本人更好地掌握了画面的构图，以及如何去描绘人形和人体。我们看《大宫女》的时候，说《大宫女》有奇异之处，其实这个奇异之处和他模仿拉斐尔有关。 《椅子上的圣母》这幅，在拉斐尔的原作中不只有圣母出现，而安格尔只临摹了一个圣母。安格尔一直对女性人物的形象非常在意，这可能与安格尔接受了大量女性赞助人的委托来为她们创作肖像画有关。安格尔和文艺复兴时期的艺术家不同，他的委托大量是来自其资产阶级的好朋友，也就是法国新兴的中小资产阶级，比如说像贝尔坦。其中，安格尔最著名一些作品就是“名媛肖像”，他创作了很多非常完美的名媛肖像流传于世。在他所有的女性肖像画中，主人公都有同样的特点，即脸庞圆润、肩膀圆润。这也是安格尔固执地坚守其美学理念的体现。安格尔之所以不断地临摹拉斐尔女性的脸庞是因为他觉得拉斐尔笔下的女性面庞完全就是他想要的。拉斐尔笔下的女性确实非常圆形，就连脖子都是没有颈椎和骨头的，有一种圆形的感觉。艺术家对于自己的艺术风格是有一定执着的，我们认为肖像画是临摹自主人公本人，但有时候不完全如此。安格尔在他自己的画中是有他很固执的追求的。 展览中有一幅，是安格尔在创作祭坛画的时候，试作的一张圣卡特琳娜的习作。我们可以看到，即使他画的是圣女，他采用的依旧是椭圆形的脸庞。除了拉斐尔之外，文艺复兴时期波提切利也使用了大量的椭圆形的脸庞。回想波提切利的《维纳斯的诞生》，画中的维纳斯也是完全没有骨头的，全部都是圆形的。 《路易十三的祈祷》的完成品非常精彩。法国进入了复辟王朝阶段，整个国家变成极端保皇党人的天下。艺术家们不敢创造别的题材，他们只敢创作国王把国家献给圣母玛利亚这样的主题。 完成稿分上下两部分，路易十三处于画面下半部分，上半部分是圣母玛利亚。路易十三和他的太太一直想要一个子嗣继承自己的王位，但是由于他的太太一直流产而一直没有孩子。当他的太太好不容易诞下一个婴孩之后，他们委托安格尔画了这张画，当时的佣金是两千法郎。这张画的精彩在于它和拉斐尔的《斯希廷圣母》非常相像，更说明了安格尔是拉斐尔的一个绝对的推崇者。 (责任编辑：admin) |