编者按
    众所周知，在第89届奥斯卡颁奖礼上《爱乐之城》遭遇了史上最尴尬的一幕：已经被宣布得“最佳影片奖”、主创人员上台激动地发表获奖感言了，却忽然得知此奖的真正得主是《月光男孩》……为什么这部横扫各大电影节的《爱乐之城》得不到奥斯卡“最佳影片奖”？请读者听听文艺评论家江冰教授的精彩分析——
    《爱乐之城》上映后好评如潮，各种提名奖项甚至超越《泰坦尼克号》，颁奖礼前是热门影片。冲着这些，我走进影院。看得顺畅愉快，但以经典作品衡量，我的结论不免让一些人失望：它恐怕是奥斯卡奖最平庸影片之一。熟悉的桥段，唤起熟悉主题：理想很丰满，现实很骨感。都市中为梦想挣扎的年轻人，不断失败，内心破碎，犹豫彷徨。即便励志以及有情无缘，亦均为老桥段老主题。
    我以为，有两个问题值得琢磨。一个是男女主角所表达的奋斗主题，以及各自人格独立、实现理想、艰苦奋斗与世俗爱情的矛盾。乡村的青年进入城市奋斗，以实现自己的理想，需要艰苦奋斗，需要付出青春代价。一定有泪水，有血汗，有挫折，有困难，有沮丧，有痛苦，也有失败。这样一种青年奋斗者的形象，在好莱坞的电影中曾大量出现。比如说《罗马假日》，看似一部轻松喜剧，其实他的男主人公、老牌影星格里高利·派克扮演的那个报社记者就是一个奋斗中的落魄青年形象，他虽然似乎有比较光鲜的职业，但实际上已经两个月的房租交不起了。上世纪80年代以后，特别是进入90年代，中国大陆的城市文学中，这类形象也是大批涌现。所以说，《爱乐之城》所表达的青年奋斗的主题，我们并不觉得有特别的新鲜，或者新意——其原创性有多高呢？
    还有一个艺术形式的问题。仔细想了一下，为什么会觉得这部电影在感人至深方面似乎总差那么一步？应该是两种形式的交替有所冲突：一种是电影的形式，电影是一种梦幻的空间，它可以在黑暗的观摩中获得一种非常强烈的代入感。这种代入感，可能要超过舞台剧。当然我们也不能否认，舞台剧的现场感，自有其特殊感染力——现场感。关于这种现场感，世界三大戏剧表演体系：斯坦尼斯拉夫体系、布莱希特体系、梅兰芳体系，各自都分别强调他们对于戏剧舞台空间的情感表达的不同方式。那么比较起来，现代电影技术，应该来说在重新创造梦幻空间，给观众赋予了更加强烈的代入感方面，有其明显优势。那么这种代入感，在《爱乐之城》这部影片中间有一点交叉交替。也就是说，当人们进入到一种现实情景的时候，电影演员突然停止了现实的代入，而转向歌唱舞蹈——进入了舞台空间。因此，这两种不同的审美感受的交替进行，我认为也影响了中国观众的接受。
    为什么说影响中国观众接受作为前提呢？就在于西方的观众那里，更了解和熟悉西方的歌剧、音乐剧、舞台剧，更习惯接受那样的一种审美方式。那种代入感，与完全表达现实空间的电影，区别不小。当我看到男女主人公相见相约来到山头上，俯瞰万家灯火，璀璨的美丽夜景恰好营造了一个无比温馨的场面，我们合理地期待一个非常动人的爱情倾吐的场面。但编导形式一转，用歌唱和舞蹈来表现，总觉难以淋漓尽致。不过，我也承认歌舞表现自有其特殊美感，但是对于我们所习惯的电影代入感来说，它导致了“停顿”——观众无形中受到情感流动的阻碍，我们所习惯的电影代入感的那种审美感受未能深入进行。反过来说，这部电影又让我觉得，在从现实空间代入到舞台剧的形式的那种转折和过渡，应该还是相当巧妙的。不过，依然无法弥补两种审美方式交替使用所导致的停顿。当这部影片进行到最后的那几个场景——男女主人公多年奋斗，分别获得了成功，但是爱情的结局，却是“有情无缘”。这个结尾，稍稍出人意料，情感波澜起伏，眼神交流，心有灵犀，盈盈动人。难怪有人说，幸好还有最后5分钟，如果没有结尾5分钟的话，那就是一个十分平庸的歌舞剧。话说得苛刻，但亦不无道理。
    那么，什么才是合格的大奖影片呢？什么样的影片才能够服众呢？我认为：艺术作品，在今天这个全球化传播的时代，一定还是有一些共同的审美标准的。这种标准若是在古典时期，或许可能受到一定阻碍的话，那么在今天这个网络时代，审美标准尽管存在差异，但应当具有大家普遍可以接受的部分。比如说，艺术的水准、主题的深度、人性的复杂度，甚至可能是电影技术方面、表达手段方面的某种拓展。在我看来，上述种种，其原创性是第一的。也就是说大奖应该是在某一个阶段，或者在这个年度里，艺术水准是最高峰的作品。而这些最高峰的作品又一定在某些方面具有原创性，有其开拓性，一定有它的进步，哪怕是一小步，也一定是属于创新的、原创的。恰恰在这一点上，我觉得《爱乐之城》稍嫌平庸。
    （作者系广东财经大学人文与传播学院院长、教授，广州市文艺评论家协会副主席）