 《寂静的深度：霍珀画谈》[美]马克·斯特兰德/著，光哲/译，民主与建设出版社2018年4月版 最近，关于爱德华·霍珀（Edward Hopper）的相关出版物见到不少，许是 9月上博即将到来的霍珀展的预热。 美国作家、普利策诗歌奖得主马克·斯特兰德的这本 《寂静的深度：霍珀画谈》无论是从篇幅、图片质量还是内文，都值得推荐。可能诗人的笔触本身就有一种“轻盈”，并非学理语词堆砌以及咬文嚼字般的品读。 马克·斯特兰德抓住了霍珀画中很重要的一个特质——见自己。面对他的画，如同面对空境，抽离现实，抽离语词，最终剩下的只有自己。他说，“常常感到霍珀绘画中的那些场景，是我自己过去经历过的”，总是被“抛置于一个完全由情绪和感觉所主导的虚像空间”，被一股莫名的张力所引导，在画作面前神游，最后却只见“自己与自己相遇”。 对观者来说，只有具有敏锐的观察力才能察觉霍珀画中所埋下的一些隐喻线索。艺术欣赏从来都是私人的事情，但是艺术的发展，直到霍珀这一代才开始真正思考孤独是怎么回事，自我是怎么回事。以及，纯粹地 “看”画是怎么回事——这一点很重要，因为霍珀生活的年代是上世纪五六十年代的美国，那是一个属于在朝有抽象表现主义、在野有安迪·沃霍尔等人的时代，是属于波普艺术的年代，一切的拜金、消费、物质主义都充斥着那个年代战后美国社会的方方面面。由此，才如此鲜明地映照出霍珀画中明亮光线的底色——那是一种明亮到不真实的光——对，像“塑料”的双关语。 那幅著名的《夜莺》（Nighthawk）已成为爱德华·霍珀的标志性作品，也是《寂静的深度：霍珀画谈》开篇第一幅。斯特兰德写道：“灯光仿佛一种清洁剂，让城市的污垢无处存留。像霍珀的多数作品，城市在这里是一种写意而非写实的呈示。”有此写意，才有最后的总结：“我们所体验的将完全只是我们自己的。旅行的放逐，相伴而来的失落，以及刹那的缺席感，在氤氲，暗涌。” 是的，这句话直指大都市繁华之下个体孤独的心境。这种孤独既非褒义、亦非贬义，而带着一种梳理的气质，亦可视之为现代人的精神。带有一种淡淡的哀伤的美感，也是现代人所自主选择而非被迫的一种处境。 比如《夜莺》的橱窗是弧形的，也是霍珀所有作品中唯一弧形玻璃的作品，而整个咖啡馆呈现楔形构图的。这种构图的用意在于，它所想强调的是：画面中，主角并不是以往作品中的室内光，而是阴影，那街道中大片的阴影——对，这就是大都市之中，个体的孤独感。 但是正如斯特兰德提到的，霍珀的作品是“写意”的，为什么这么说呢？因为风格和构图明明是写实主义一路，但不是单纯的写实，而是解构后的再现。没错，这就是电影艺术的处理手法了，充满故事性，这便是霍珀特有的“写意”。 原来，霍珀从小沉溺于文学世界，所以后来的创作中才会融入很多文学隐喻的手法。后来很多人将之归之于对“格式塔心理学”的熟稔——那是另一个新世界的大门了。据说希区柯克《惊魂记》就借鉴了霍珀的另一幅名作《铁道边的房子》。 但是，最重要的是，霍珀的作品是“无声”的，他画出了“寂静”。一切都是无声胜有声，直指人心，而都市人无处逃离，只能沉湎其中。 (责任编辑：admin) |