意大利斯卡拉歌剧院
廖昌永在东方艺术中心会员活动日上为观众讲解歌剧 图片由东方艺术中心提供
在许多人眼中，高深莫测的歌剧似乎总是带着些神秘的色彩，而在上海音乐学院副院长、著名男中音歌唱家廖昌永看来，大可不必把歌剧看得那样严肃，用心聆听音乐、感受剧情，就能领略到歌剧的魅力。
下个月，享誉世界的意大利斯卡拉歌剧院将为上海观众带来音乐会版歌剧《西蒙·波卡涅拉》。近日，廖昌永在东方艺术中心为观众们解读了这部歌剧的奥秘，并接受了记者的采访。
比交响乐多了剧情，比舞蹈多了语言
在许多人眼中高深难懂的歌剧，在廖昌永看来是一门很有趣的艺术。
“歌剧比交响乐多了剧情，比舞蹈多了语言。它是一门综合艺术，观众可以在其中欣赏音乐、感受戏剧的魅力，还能欣赏舞台美术、建筑、服饰，感受歌剧背后的文化历史，我觉得挺好玩的。”廖昌永说。
小时候家乡的村子里刚刚有电视机，廖昌永无意中听到电视里传来从未听到过的动听旋律，他被迷住了。“虽然我听不懂她在唱什么，但是她的表情、眼神消除了语言的隔阂，最关键的是，她的歌声充满魅力，那音乐本身就足够打动人。”后来，廖昌永才知道，那位歌唱家就是著名女高音歌唱家玛利亚·卡拉斯。
要想真正看懂歌剧、领略歌剧的美，对歌剧的基本知识和剧情还需有所了解。尤其对中国观众来说，语言是最大的障碍。廖昌永认为，事先做一些剧情方面的“功课”必不可少。
歌剧的剧情大多并不复杂，因为毕竟是以音乐为主的戏剧，戏剧要服务于音乐语言，音乐太长观众会感觉受不了，所以歌剧的剧情大多是单线条的。
以即将在上海上演的《西蒙·波卡涅拉》（又名《父女情深》）为例，这是威尔第完成的第20部歌剧。该剧以历史上真实存在的14世纪热那亚总督西蒙·波卡涅拉为原型，讲述了他与女儿阿梅莉娅失散25年后曲折重逢的故事。全剧在表现父女情深的同时，还以颇具历史感的叙事，展现了14世纪热那亚贵族与平民由纷争走向和解，以及西蒙·波卡涅拉励精图治、胸怀大爱，为热那亚带来和平与繁盛的故事。
不同于其他歌剧作品，《西蒙·波卡涅拉》 不是通过很多音乐唱段串联起来的，而与瓦格纳的作品颇有些许相似，更注重戏剧性。廖昌永说，欣赏《西蒙·波卡涅拉》，需要从戏剧的角度，体会整个作品的构思。
30岁唱威尔第，还不成熟
如今在歌剧舞台上经常演出的歌剧，主要有实景版和音乐会版。
相比于实景歌剧，音乐会版看似不够过瘾，却能够让歌唱家摆脱舞台动作和调度，更全情致力于歌唱，甚至更容易与台下观众现场互动。因此音乐会版歌剧的“看头”就在于抛开舞美、灯光对观众的吸引，让观众真正从声音中感受歌唱家和指挥家的默契。
歌剧是用声音来塑造人物形象的，音乐会版歌剧对歌剧演员的声音要求也更高。
说起歌剧演员的声音，就不得不提他们的嗓子。廖昌永说，观众对歌剧演员的嗓子有一种误区，觉得嗓子好像全是靠练出来的。其实，究竟是唱高音、中音还是低音，是根据声带的宽窄厚薄等因素决定的，不是想练就练得出来的。
1988年的夏天，廖昌永考取了上海音乐学院，在开往上海的火车上，有人听说他是练声乐的，就对他说：”小伙子，你好好练，争取十年后练成男高音。”
“我以前确实努力往男高音发展，但后来发现其实是生理条件决定了到底能唱什么声部。现在好多人问我，怎么把高音练上去。我说你先去查查声带，看是哪个声部的声带，就唱哪个声部。”如今已经成为著名男中音歌唱家的廖昌永说道。
对歌剧演员来说，选择什么样的曲目也大有讲究，选的曲目不适合自己的嗓子，甚至不适合自己的年龄，就有可能会唱坏嗓子。
在上海音乐学院读研究生的时候，有一次一位外籍教师给廖昌永上课，廖昌永唱了一首威尔第的作品。唱完后，老师说：“请你不要唱威尔第的作品了，你不适合。”如今讲到这段经历，廖昌永释然一笑。“当时我的确是不服气的：我唱得下来，为什么不让我唱？但现在回过头想，当年确实对作品的理解没有成熟到那种程度，即便把整部作品唱下来，声音色彩是不对的。我也许可以‘做’出这样的声音，但那是不自然的，而且对嗓音也有破坏。所以，国外一般不太建议在30岁左右唱威尔第的作品，40岁左右是最成熟的。”
演不同的角色需要使用的嗓音位置也不一样，比如《塞维利亚的理发师》里的费加罗，要轻巧灵快；《游吟诗人》里的卢纳伯爵则偏沉重一些；而《弄臣》里的里戈莱托则是典型的男中音。“不同人物、不同场景，声音的表达也会不一样。这也是歌剧演员最具挑战之处，就是对音色的控制、对剧中人物性格的把握。”
廖昌永建议，在此次上演的《西蒙·波卡涅拉》中，观众们除了欣赏主角们的表演，还可以特别留意男低音雅各布，也就是其中一位老贵族扮演者的演唱。这个角色是歌剧史上最著名的男低音角色之一，他所演唱的咏叹调《破碎的心》 也是为数不多的知名的男低音唱段。此外，西蒙与女儿重逢时洋溢幸福的二重唱、西蒙与贵族费耶斯科最终达成和解的二重唱等，也十分真挚感人。
最打动人的是人性的美好
对歌剧演员来说，参演歌剧的挑战之所以远远高于独唱，因为不仅要过语言关、技术关，还必须要对剧目的人物、历史、文化背景有充分的了解。从观众的角度而言，则可以通过一部歌剧了解许多戏外的故事。
《西蒙·波卡涅拉》就是这样一部不为中国观众熟知，却非常有故事的歌剧。
在威尔第的作品中，《西蒙·波卡涅拉》不是最著名的，甚至连前五名都排不上，却是威尔第倾注了最多心血的一部作品。在《西蒙·波卡涅拉》之前，威尔第就凭借《茶花女》《弄臣》《游吟诗人》等作品为人所知，事业可谓如日中天。然而1857年《西蒙·波卡涅拉》首演时却遭遇票房惨败，两年后再演依然萧瑟。晚年的威尔第除了写作《奥赛罗》《法尔斯塔夫》之外，只做了一件事，就是修改《西蒙·波卡涅拉》。一直到24年后，斯卡拉歌剧院再演《西蒙·波卡涅拉》，才引起巨大反响。威尔第将自身的人生阅历充分地融合到作品中，并通过西蒙表现出人性的光辉。
威尔第的歌剧离不开三个主题：爱情、阴谋和死亡。在《西蒙·波卡涅拉》的主要人物身上，威尔第将他认为重要的人性品质都通过角色展现了出来。他晚年的改编，赋予了这部歌剧最重要的“点睛之笔”，尤其是第一幕第二场西蒙在议政厅呼吁和平的段落，这种人性中最美好的品质引起了观众的共鸣。有人说，西蒙是威尔第自己的部分缩影，因为威尔第的音乐对促进意大利统一功不可没，所以结合当时的社会环境背景因素来看，“西蒙”的成功是无可非议的。
此次来上海上演《西蒙·波卡涅拉》的意大利斯卡拉歌剧院，一直有演出威尔第歌剧的传统。斯卡拉歌剧院是意大利最大的歌剧院，也是世界上音响效果最佳的歌剧院。被誉为“歌剧界的麦加城”的斯卡拉歌剧院见证了19世纪意大利歌剧的辉煌——罗西尼 《试金石》、《土耳其人在意大利》； 贝利尼 《海盗》、《诺尔玛》； 威尔第 《奥贝尔托》、《纳布科》、《圣女贞德》、《奥赛罗》、《法斯塔夫》；普契尼《乔康达》、《埃德加》、《蝴蝶夫人》、《图兰朵》 等经典歌剧均在那里首演。
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